作为态度的绘画,从现代主义到当代艺术的中国方式

日期: 2019-12-11 06:56 浏览次数 :

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问:油画为什么会分为写实和抽象?

问:大家是喜欢写实派还是抽象派?说说理由?

编者按:中国嘉德2015秋拍将于11月11—13日预展,14—18日举槌。中国二十世纪及当代艺术部,秉承“拍品精质化、学术深耕化”理念,深化精品战略,在常设专场《二十世纪早期艺术》《中国当代艺术》基础上,还将隆重推出《中国二十世纪及当代艺术之夜》《’85新潮美术三十年纪念专场》《沙耆比利时时期艺术专场》,共计五大专场奉献给各界藏家。

陈文骥 1992年作 暖瓶卫生纸胶带 油画 80100cm

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《中国二十世纪及当代艺术之夜》甄选23位艺术家的26件精品油画,从二十世纪的前辈艺术家、至中国当代艺术的青年群体,覆盖中国油画史上的核心流派及关键节点。对本专场艺术家名单的设置,则从艺术史角度进行了深入的研究及分析,最终确立了以兼具“中国的”、“现代性的”艺术为嘉德“中国二十世纪及当代艺术之夜”的学术标准。这些艺术家集中展示了贯穿于中国美术史的一条隐形的发展脉略——“中国现代主义艺术”的发生、发展,以及向当代艺术的悄然过渡。

讨论陈文骥在当代艺术中的价值,需要将陈文骥放入90年代以来中国当代艺术日益远离绘画本体、走向政治与商业的大背景中来观察。虽然,陈文骥在上个世纪80年代就已成名,作为中国当代学院出身的现代主义画家而引人注目,但陈文骥从来就不把自己的艺术作为政治、商业或其它外在于艺术的事物的附庸。对于陈文骥来说,绘画是他日常生活的一部份,他在此找到了个人存在的价值和生活的快乐,确切地说,绘画对于陈文骥,是作为一种态度而非作为一种技术,他以自己对于绘画的质朴理解,将绘画作为记录个人心路历程的方式,表现现实世界的内在活力和力量。这是一种以沉静内敛为特征的视觉的力量。陈文骥的价值在于他在某一具体的空间和抽象的时间中表现情感而非图解社会。 陈文骥的作品具有发散的特征,他总是追随自己的感受去选择绘画表现的题材与方法,在他那里,方法是随着他的内心表达的需要而发展起来的,对象的选取和组合也是由此决定的。他不象有些画家,始终沉浸在对自我形象和油画技术的迷恋之中,将所有的题材和技术都化为对自我的重复性展示,从而使自己的作品具有某种工业性批量生产的可疑倾向。 1986年7月,在一个偶然的机会中,陈文骥画出了他人生的第一幅油画并且获奖,从而揭开了他的真正的艺术人生,在此之前的学习过程中,他更多地是体会前人的优异,品味大师的奥秘。而在此之后,他以少年时期就形成的特有的执着和投入,逐步展开了个性化的艺术之旅,在无意中冲击了当时画坛的标准化。陈文骥的独特之处在于,他从来不把自己当作一个油画家,他并不在意人们以油画的眼光去观赏他的作品,他不想使自己的绘画太油画,他也不在意作品的最后效果和某种固定的格式,他陶醉于绘画的过程,无论这一过程是否能使他从现实生活的烦恼中解脱。

超写实油画和抽象油画侧重的方向不同,超写实油画重视的是油画对现实的真实反映,超写实油画不含主观感情,作品往往和大家用肉眼看到的事物或是用相机拍摄的事物一样,真实、冷漠,保持着自然主义的风格;超写实的油画的绘画通常会放大事物的尺寸,从而产生不同寻常的美学和心理效果。例如,许多超写实油画作家的作品一样有着喜欢以人为作为绘画的题材,有的喜欢对眼中的街景进行描绘,有的对咖啡厅和快餐店投入更多的注意力,有的比较喜欢描绘游戏和玩具。以上根据不容的内容进行真实的绘画的画家,他们的作品就像极度精确的相机拍摄出来的作品一样,十分的真实。抽象油画艺术的主要特点是没有具体形象、不遵从理性的思维。抽象油画艺术作品中不会描述真实的世界,不对世界上的客观形象进行展示,更加不反映现实生活。同时抽象油画艺术没有绘画的主体,画家在绘画中往往不顺从正常的逻辑思维,不表达任何的思想也不传递个人的情绪。抽象油画在创作中纯粹性的遵守颜色、点、面等对人的视觉冲击,抽象油画画面中没有形象、没有主题,只是充满了大量的形色。

我感觉我还是比较喜欢写实的画风多一些。

此次专场名作云集,吴大羽、刘海粟、卫天霖、关良、常书鸿、余本;石冲、刘小东、赵半狄等均有力作现身。

20年来,陈文骥的作品始终保持着对现实的抽象的疏离。陈文骥画中的世界总是和他不断摆脱现实生活的自然再现有关,虽然他的作品具有非常真实的事物形象,但他所描绘的决不是具体的生活场景,而是经过他的思考与过滤的现实世界。陈文骥始终在感性世界中寻找自己的艺术基础,他或许能超越这个基础,但决不会脱离它,他在这一基础上建立起自己的艺术独特性,在有限的空间和物像中阐释了现实的真实性。 对于陈文骥来说,形是有生命的东西,是抽象的复杂思想的载体,虽然陈文骥不能用明确的语言文字对此加以表述,但他却在凝固的形象中无声地呈现了现实世界的内在本质和隐蔽的秩序。构成这一切的可能性,正是来自于陈文骥与众不同的敏感,不仅有形式的敏感,还有他远距离的冷静观察所获得的对人性的敏感。你可以不喜欢陈文骥的作品,但你无法拒绝和躲避他的作品,因为他以高度的冷静和质朴的表达获得了艺术中最为可贵的简单与明确。 我认为艺术就是艺术家对于过去的记忆,对于现实的透析和对于未来的揭示,这只有那些不囿于成见敢于冒险的艺术家才能够探索它,勇敢是想象力的催生素,是艺术家个性形成的前提,对于陈文骥来说,重要的是让我们进入他的画面,而不是用我们习以为常的方式理解他的绘画。

谢谢艺之目的提问 ,我知道你也有高论 ,我在这里抛一块砖吧 !表示支持 。

特别喜欢写实的画作,画的超级逼真 不管是水彩还是彩铅都很喜欢。彩铅用他细腻的笔触画出比较写实的质感,让人看了一下就会喜欢上了。

此外,新中国时期名家何孔德《枕戈待旦》;当代名家尚扬《诊断-6》、《有阳光的大风景-4》;陈文骥《黑白换》、何多苓《白衣彝女》、范勃《疑是故人归》、毛焰80年代早期作品《自画像》、《男人体》;以及“新绘画”艺术代表张恩利《室内》、屠宏涛《东坡的一封信》、韦嘉《如果能飞,能去往哪里?》等作品亦将于本专场隆重呈现。

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在我看来 写实画与抽象画并不是并列存在的 。 写实油画只是西方绘画方法中的一个正宗的果实 。他的绘画方法概括了用各种工具绘画的写实方法, 只不过油画是用油彩做颜料而已 。学绘画的过程是依次掌握 结构,光影,色彩。每一步掌握不好 又不愿意放弃绘画的人(这里不乏条件很艰苦的绘画者 ) ,他就可能"创新"派生出一种"新“的画法,如果被市场认可,有人出高价去购买,他便自立一派(或者是被后人叫成了什么派 )。 中国话叫龙生九子 ,儿子们是各种各样的似龙而非龙 。写实油画难度是最大的 ,也是绘画的最高峰吧 。有很多绘画者在爬向高峰前进的路上被结构和透视挡住了,那么他今后的画作中每一幅都会有这个短板或缺限;有的到光影这儿就处理不好,也是今后每画一张作品都存在着光影上的缺限;更多的人是被色彩挡住了,被这个色彩难住的人最苦恼,他调不出要的颜色,可他又不是不会画画 。被哪一步挡住的人 ,他的绘画水准是向下兼容的 ,就是他水平以下的他都会。 很多人对绘画的热爱程度远远超过了他的进取精神 (我也是其中的一个哈 ); 也有的人确实是没人教他,我们人类文明的每一个成果都是建立在前人成果的基础之上再发展的,也就是说 每个人的起点是前辈们的终点 ,所以自创仅靠一代人是不行的, 需要有人教 ,要有传承 。 还有的是市场原因,绘画者是为市场服务的 (不然自己饭都吃不上还怎么画?),购买者和经营者并不需要你画那么高水准的绘画 ,人家只是拿你的画去买卖,有好画他就会拿去买卖,没有好画他也要继续去买卖的 ,买卖人也要活下去呀 ,也要娱乐和消费呀(商人的竞价与买卖是他们特殊的娱乐方式 )。另外购买者也是什么样的画都有人喜欢,众口难调嘛 !我们现在看到的各个派别的绘画方法, 那是历史原因造成的结果 ,这就是为什么每一个令人不解的成名画家都会有一段故事流传下来 !

也许有人说画的那么像,与其画的像,还不如可以拍张照片,何必那么费神气,画的那么逼真呢。

图片 4枕戈待旦 1964年 布面 油画 60.4 × 113.5 cm

所有的艺术形式都可以表达人的情感,油画艺术也不例外,写实性的油画主要表现的是现实生活,但是写实中会融入一些抽象的因素。而抽象油画艺术的表现又是在写实油画的基础上,从超写实油画和抽象油画艺术审美的根本上看二者之间的相互影响是不可或缺的。在我国的油画艺术中抽象因素发挥了更加重要的作用。

但是我觉得画的逼真跟照片还是有区别的,个人感觉照片比较冰冷没有温度一些,而在画画的时候,画的人可以投入自己的情感和感情,以及对每个地方颜色的分析明暗的分析,加入自己的思想进去,让整个画面看起来有温度而真实,而且带有自己的灵感和创意,这是比较好的。

对于中国军事题材的绘画而言,何孔德无疑是一面旗帜。何孔德的作品,即使是在当今的新时代,也依然释放着永恒的魅力。他在马克西莫夫油画训练班时期,开始以极大的创作热情进行军事题材绘画的探索与研究,创作了大量优秀的作品。本件《枕戈待旦》,正是何孔德在马克西莫夫油画训练班期间创作的,这件作品对新中国的现实主义艺术产生了非常深远和的影响,也是何孔德艺术生涯之中最为重要的一幅画作。

超写实油画和抽象油画侧重的方向不同,超写实油画重视的是油画对现实的真实反映,超写实油画不含主观感情,作品往往和大家用肉眼看到的事物或是用相机拍摄的事物一样,真实、冷漠,保持着自然主义的风格;超写实的油画的绘画通常会放大事物的尺寸,从而产生不同寻常的美学和心理效果。例如,许多超写实油画作家的作品一样有着喜欢以人为作为绘画的题材,有的喜欢对眼中的街景进行描绘,有的对咖啡厅和快餐店投入更多的注意力,有的比较喜欢描绘游戏和玩具。以上根据不容的内容进行真实的绘画的画家,他们的作品就像极度精确的相机拍摄出来的作品一样,十分的真实。抽象油画艺术的主要特点是没有具体形象、不遵从理性的思维。抽象油画艺术作品中不会描述真实的世界,不对世界上的客观形象进行展示,更加不反映现实生活。同时抽象油画艺术没有绘画的主体,画家在绘画中往往不顺从正常的逻辑思维,不表达任何的思想也不传递个人的情绪。抽象油画在创作中纯粹性的遵守颜色、点、面等对人的视觉冲击,抽象油画画面中没有形象、没有主题,只是充满了大量的形色。

还有一点在画写实的过程中,虽然过程非常非常的慢,也很磨人,有时候需要几天甚至几个月就画好一幅画,但是画的人却很享受这个过程,在这个过程当中自己的心灵得到了很大的满足,而且会沉静下来享受整个绘画的过程,我觉得这一点是其他物质的东西比不了的。

图片 5有阳光的大风景-4 1997年-2007年 布面 油画 100 × 150.5cm

   艺术来源于生活,超写实油画艺术就来自对生活的写实,油画作家经过对生活中的感悟进行提炼最终形成了自己的作品。作者将常人在生活中发现不了的美展示在自己的画作中,虽然超写实画家的作品体现的是生活但是它同媒体拍摄的照片之间还存在着一定的区别。首先绘画作品反映的是画家这个群体在当时生活中的观察,其中存在画家对生活的一些感受。例如,画家在对落日进行绘画时,如果作者的感情比较轻快愉悦那么画出的落日颜色给人的感受就比较轻快,如果在绘画中作者的心情比较烦闷那么落日的颜色可能就比较浓重给人的感觉就会比较沉重一些。超写实油画在绘画中需要对传统绘画方式的技巧进行延续。例如,超写实绘画需要参考黄金比例值,绘画的背景、空间等内容的设计中需要应用相关的数学和几何知识。几何规律可以好很好地满足人们的视觉感受。

下面是我的一些彩铅画,也是比较偏写实一点,但是不属于超写实的风格,希望大家喜欢。

《有阳光的大风景-4》开始创作于1997年而后跨越了整10年时间,作品总体基调更靠近“后现代自然大风景”。色调上尚扬开始偏离“尚扬黄”呈现出了“尚扬灰”,这种轻盈、纯净透明而几近于白色的灰,它减轻了尚扬黄中的滞重却留下了原有的凝重,这份沉稳的力量平衡了构图中抽象的内在张力和艺术式涂鸦的稚拙。他用绘画语言诠释了对正在变迁中的人类家园进行的阅读与思考。

抽象油画艺术的基本元素是点、面、线以及颜色等符号化的语言。抽象油画中并没有直观的呈现具体的客观形象,也就是说当你面对这一幅抽象油画作品时,你无法看出画中具体的事物是什么。传统的绘画艺术是对真实的事物的描绘和模仿,但是这一标准在抽象油画艺术中被彻底抹掉了。抽象油画艺术的核心就是形式,抽象油画最为关注的就是画的形式,画中的点线等都是在客观事物的基础上抽象出来的精华元素,这些元素可以很好地概括事物的内在和本质属性,因而抽象油画没有必要去苛求事物本身最真实的线条了。例如,莫奈的《阿山特依的游船》中几乎都是由大大小小的宽窄不一的色块组成,白色的帆船用较大的色块组成,显得十分沉稳洗练,同时和水中的倒影形成鲜明的对比,作者用不多的几笔将万里晴空,碧波荡漾的实景展现在画面上。

另外我新开的专栏《零基础入门彩铅教程》已经开始开课了,正在新课优惠当中,大家喜欢的可以随时来关注学习呀!

图片 6黑白换 2009年 布面 油画 120×240cm×2

油画以其独特的魅力给人的视觉带来了巨大的视觉享受,同时也给了人们丰富地精神感受,人们的思想和艺术审美在油画中得到了巨大的启迪和发展,油画再现了自然美和理想美,其自身的形式美也达到了艺术创作的极高境界。首先,写实油画对于真实事物的反映具有审美的价值,油画利用三维的空间幻觉能力和对绘画对象真实性的展示是其他画种不能比的,超写实画家利用自己高超的绘画技巧来创造自然中的美以及精神上的欣赏之美。其次,油画具有理想的美,艺术虽然来源于生活但是高于生活,油画艺术中的理想美是对现实美的提炼,画家经过对现实中的美进行提炼和规范以后在绘画和表达上迎合了人们的审美需求,在形式上油画艺术在后期的发展中逐渐变得成熟,美的形式更加的精炼和纯熟,由此油画的画法得到了巨大的发展,油画技法在形式上有了多种多样的改革,油画作品的面貌也有了多种多样的呈现。自18世纪开始,在文化、经济的多种因素的发展和影响下,油画艺术也相应地发生了重大的改变,油画创作中的形体、光感以及对画中色彩等因素的注重有所减少,油画创作者更加重视的是对传统的叛逆以及表达上的与众不同。人们也更加关注油画对于人们宣泄主观情感的重要性,油画艺术在完全成熟后又将面对变形,此时的油画创作从具体走向抽象并最终走向了抽象的极端。抽象油画创作的出发点是创作者的直觉和想象力,并对具体的形象进行反叛,在绘画手法上更重视油料的色彩堆积以及随意的情绪的发泄,在绘画的结构上重视点线之间的自由勾勒,完全抛弃传统的写实审美观念,抽象油画给人的最大印象就是让人看不懂,抽象油画完全成了创作者自言自语、宣泄情感的艺术表达。油画创作在完全脱离的形象之后十分容易走向内容空洞的区域。不同于抽象油画艺术的,超写实油画对人物个性的忽略也导致了自然美的缺失,在超写实油画作品中我们可以看到十分真实的人物形象但是感受不到一丝人物的感情,写实油画中的

油画艺术有很多流派风格,文艺复兴时期的古典风格,之后的样式主义、新古典主义、浪漫主义、写实主义、印象主义、抽象主义、超写实主义,要注意的是无论哪种流派风格都以“写实”为基础,只是或多或少而已,问题来了:大家是喜欢写实派还是抽象派?说说理由?

栗宪庭曾评价陈文骥的艺术创作为“一种静悄悄的革命”。这件《黑白换》两联作是艺术家较为近期的作品,该时期的艺术家已然从之前在静物画的探索中提炼出了一种形而上的美学理念。画面中的静物看似真实,但是却处于一种空想的场景之中,脱离于现实环境,带有一种超现实的意味。这种对现实物象的抽象剥离和对现实场景的主观过滤,体现出艺术家对社会现实一种若即若离的距离感的追求。

写实油画表现的是现代生活,是油画中最高境界的,但是写实中融合了抽象的因素,又因为抽象油画艺术的表现是在写实油画的基础之上,从而这两者之间是必然有影响,互不可缺少的。

喜欢写实派与抽象派的原因

开篇简单提到了,无论哪种流派风格的油画都以“写实”为基础,抽象派也不例外,只是或多或少而已,也许有人会认为,抽象派怎么有写实呢?是的,抽象派也在写实,因为它也有素描基础,那些不画素描的抽象派油画都是垃圾,抽象派虽然不追求光影透视,但也有结构造型,所以少不了素描,

只不过从视觉效果上、流派风格上讲,写实派指的是“写实主义”,也叫“现实主义”,它的写实色彩要比任何其他流派更强烈真实,写实派追求的是冷静务实,不弄虚作假、不夸张想象,反映的是真实的人物故事情节,绘画技法也很传统,色彩光影效果相对朴实无华,

大多数画家不喜欢写实派,原因很简单,写实派画风缺乏新鲜感,毕竟色彩光影没有华丽的修饰,我们都知道油画是属于视觉艺术,强调的是视觉效果,色彩光影没修饰到位,就缺少美感了,就像一个没化妆的女人,如果用写实派手法创作人体油画,由于不加修饰的还原真实,处理不好,就容易让人误认为是色情,

然而,大多数画家喜欢抽象派,因为抽象派突破传统,让画家无拘无束、自由自在的创作,而且可以尽情的发挥想象,也不担心所画的人体油画会被认为是色情,毕竟抽象派的造型奇丑无比,其实,抽象派在某种意义上是那些不学无术、徒有虚名的“艺术家”的避风港,技法不精的人才会创作抽象派,然后自圆其说画作的含义。但是,作为观者以及少部分有艺术认知、艺术造诣的画家都还是喜欢写实派,因为写实派画作情感真实、寓意深远,具有感染力、征服力、震撼力。

我是桃子姐姐

很高兴回答您的问题。

我个人还是比较偏写实的绘画风格。

偏写实绘画出来的人物相似度在70%-90%之间。

这种绘画风格画出来的人物既不会像写实派那样给人一种“照片感”

也不会像抽象派那样不真实的感觉。

我觉得这种偏写实风格也是大众审美容易接受和喜欢的绘画风格。

分享一些我自己的绘画作品。

希望大家喜欢[害羞]

我是小画家/桃子姐姐

答:首先我更喜欢抽象,我不会惺惺作态说两种都好,第二我要驳斥以为朋友的观点:抽象也有素描基础,没有素描基础的抽象都是垃圾油画。

首先要了解为何会出现写实和抽象两种大的类别。西方油画可划分为三个时期:古典主义,现代艺术和当代艺术。

古典主义时期所有绘画都以写实为基础,并且有严格的题材规定和作画流程和步骤。绘画形式单一,为架上绘画。

现代艺术的崛起以印象主义为代表,不一样的审美形式和绘画主题的出现冲击了古典主义绘画,人们的审美趋势趋向多样化,也是在此时开始,抽象概念开始出现,并且在严格意义上来说,没有“抽象派”这个说法,这不是一个流派,而是一种形式,其中最具代表的是马列维奇的冷抽象以及并驾齐驱的热抽象,而具备抽象形式的还有极简主义、达达主义、野兽派、立体主义、表现主义等等。而且其中绝大多数作品是不存在素描基础的,那样的形式叫做几何图形的排列组合,譬如马列维奇的作品,那叫几何图形,而非素描基础。

到了现代,当代艺术的蓬勃发展更加将抽象形式多样化,最重要的画家就是美国画家罗斯科——色域绘画的大师,将抽象表现主义推向了高潮。罗斯科的风格是在探讨颜色领域,也仅仅单纯的探讨色彩本身的意义,跟素描基础也没任何关系。

封塔纳在上个世纪用一把刀将画布划开一条口子,开启了极简主义的新世界,这也是抽象表现。也毫无素描基础。

所以抽象主义,抽象表现主义(请注意没有抽象派此说法),都是意识先行的艺术,意识先行代表的是人的思想性,同素描基础毫无干系。如果没有系统的学习和研究艺术发展历史,还请不要误导他人。

于我而言,我更加钟情于抽象表现主义,因为抽象表现主义的风格多变,更多的是在探讨思想的变化,并且随着时间的发展不断更新改变,充满了新兴性质。

而写实主义在欣赏性质上的确有不可替代的作用,但是写实主义无法为更多的艺术探讨做出贡献。这也是为什么毕加索在人生的中后期会偏向解构和分析,马蒂斯也在艺术探讨上逐渐超越写实,趋向意识形态的改变。乃至超现实主义大师达利也一样,对于自我和人思想的探讨才是重点。

所以在最后友情提示:无需非要给流派风格排名先后,更重要的是不要在不透彻一件事物的时候误人认知,害人害己。

我觉得还是喜欢写实派占大部分。

首些,写实作品,给欣赏者一目了然的直观感受,清楚理解创作者的心意(画花就是花,花鸟就想鸟)也是大部分欣赏者评价好与坏的标准。同时也是一种绘画功力的体现。而抽象派,或许是情感的宣泄,又或是某种东西释放。又或是反应某种内涵。不可能有直观的理解。

其次,大部分欣赏者,层次不同,思维各个方面不等,(或许有的处于初级阶段,抽象代表乱画瞎画)很难达到或理解创作者的用意和高度。这需要时间慢慢过渡。

在我看来,都比较喜欢,我专业学习油画,不管是写实还是抽象,都需要研究与学习,这样在艺术道路才能走的更长远。

谢大圣邀请!

在当今社会不管是城里人还是农村人,都喜欢写实派的作品、来源于生活而高出生活的写真作品特别吃香、人源深刻……现代人已养成一个爱真诚、讲实效、拼价值的习惯。如果只夸夸其谈、抽象主义、只追求包装,也就是斧头打锣就此一回。因此写实派的作品能占领文化平台,带给广大读者都是实实在在欣赏校果、都是有兹有味人间真情、实意。多好就象发生在身边的事情一样感觉特别亲切、自然、舒服。

谢邀,个人比较喜欢抽象派,原因有二,一是摄影艺术的发展,特别是ps后期的加持,写实己经无需画家们煞费苦心去做像数就能完成的数码技术。二是抽象的画能让我驰骋想象。具象的东西容易约束人的思维,使我们很难超出画面去感知画家所要表达的情绪,在写实的画前,我们得到的往往是画家的技法,赞叹的是″画得真象啊″。而在抽象画面往往是琢磨画家的灵魂,″这画的是什么鬼东西?他是咋想的呢″?抽象派兴于二战以后,两次灭绝人性的世界大战,把神的美好世界揉得粉碎,使人对眼前的实景产生了质疑,抽象,支离破碎,色彩的渲泄成为这个世界不确定性的一种表达方式。

(梵高作品)

欣赏抽象画的第一感觉最重要,因为第一感觉往往就是真实。另一个原因,我是中国人,中国画很早就摆脱了写实的束缚,形只是表达气韵的载体,这种理念发展到后来,就有了大写意的流派,这也应是一种抽象的表达。

(吳冠中作品)

只是中国画注重正能量,抽象也要表达一股浩然之气,也许中国人的理念中有一种自然之子的情怀。而西洋画偏向负能量,抽象要表达的是个人的颠狂梦醒,也许西洋人的潜意识中有一种被上帝抛弃的绝望。

《大家喜欢写实派还是抽象派》

别说没用的我喜欢写实

这个看个人口味,写实更注重还原本来事物的具体意象和细节。而抽象更加强调画家本身的表现手法,包括心理和他的审美观。

写实更加大众化,毕竟大家都喜欢能看懂的读懂的听懂的。

抽象就更具有收藏价值,它比较新奇,更加具有创造性。

所以两种风格都和各自喜欢的人,没必要比较。

我想大多数人都会喜欢写实派!因为当今社会非常需要写实作家,来反映现实问题!

二十年前,我在大学图书馆第一次翻看一本经典油画集册,看到了达芬奇的《蒙娜丽莎》、拉斐尔的《圣母玛利亚》、乔尔乔内的《入睡的维纳斯》、鲁本斯的《爱之园》、安格尔的《泉》、布格罗的《心灵苏醒》、格维德的《雅典娜女神》……

我为油画那鲜活生动栩栩如生的造型具象、五颜六色缤纷绚丽的色彩铺染和丰富饱满的情感情绪所感染,所痴迷,从那时起,我便喜欢上了油画,当然是写实派油画。

写实油画是最传统的油画。从十四世纪油画诞生,欧洲文艺复兴开始,以达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔为代表的绘画艺术家在原来蛋彩画创作技法基础上更加注重了绘画的造型具象和色彩运用,总结出素描是油画的基础、色彩是油画的语言等油画基础性理论,创立了古典主义写实油画。

作为油画产生以后的第一个流派,古典主义写实油画从十五世纪开始到十九世纪二十世纪印象主义油画和抽象主义油画产生之前,一直是西方绘画的主要表现形式,主导引领西方油画发展四百多年,影响了一代又一代的油画艺术爱好者和欣赏者。直到今天,写实油画仍然是受众最多影响最大的油画画派。

写实油画最大的特点就是写实,真实或比较真实的还原了客观物象的本真面貌,因此又被称作是“绘画中的照像”。写实油画又因其注重写实,画面直观,主题思想和情感情绪的表达相对真切明白,更切合人们对绘画艺术的审美理解,因而受到越来越多人们的喜欢。可以说,油画能够为很多国家民众接受,在世界各地开花结果,成为世界绘画主要画种,很大程度上得益于写实油画。同时写实油画也是对艺术无国界这句话最好的诠释。

相信广大的油画爱好者和我有着同样的感受。

图片 7白衣彝女 1991年 布面 油画 86 × 71.5 cm

抽象油画关注的是画的形式,画中的点线等都是客观事物的基础抽象的精华元素,而这些元素可以很好的概括事物的内在和本质属性。所以抽象的油画没有必要去苛求事物本身的真实线条了。

80年代到90年代初,有十年时间何多苓都以青春、生命、死亡等作为艺术主题其中有不少形像取材于彝族,它们的共同特征在于高度的诗意化,本件创作于1991的《白衣彝女》即是其中代表,诗意化的画面加少数民族形象带来的苍莽距离感,使他的作品流露出神秘色彩和圣神的向往之情。在绘画上,何多苓通过做减法来逐一消除画面中不必要的因素,力求高度的简炼、抽象化,并以象征手法,同诗歌意象转变为书画中的文化意象一样,使得绘画的气质有了明显改变。

而写实油画主要表现的是现实生活,传达感受,表现感受。写实油画有两个极端,一端是高级的摄影,另一端则是彻底的抽象。期间有很多点,那个画家只是选择的一个点而已。

图片 8疑是故人归 1999年 布面 油画 175 × 157 cm × 2

所有的艺术形式都可以表达人的情感,油画艺术也不例外,写实性的油画主要表现的是现实生活,但是写实中会融入一些抽象的因素。而抽象油画艺术的表现又是在写实油画的基础上,从超写实油画和抽象油画艺术审美的根本上看二者之间的相互影响是不可或缺的。艺术来源于生活,超写实油画艺术就来自对生活的写实,油画作家经过对生活中的感悟进行提炼最终形成了自己的作品。作者将常人在生活中发现不了的美展示在自己的画作中,虽然超写实画家的作品体现的是生活但是它同媒体拍摄的照片之间还存在着一定的区别。抽象油画艺术的基本元素是点、面、线以及颜色等符号化的语言。抽象油画中并没有直观的呈现具体的客观形象,也就是说当你面对这一幅抽象油画作品时,你无法看出画中具体的事物是什么。传统的绘画艺术是对真实的事物的描绘和模仿,但是这一标准在抽象油画艺术中被彻底抹掉了。

范勃于1999年创作的大尺幅双联画作《疑是故人归》,是画家早期“陶土般”雕塑风格精神性写实主义人物画的重要力作。在这幅风格显着的作品中,可以看到多重文化维度在画面中的纵横碰撞:汉代人物雕塑的浑厚结构、宋代瓷器的温润着色、元代画家倪瓒笔下空寂的背景、以及弗洛伊德勾勒结构的宽厚笔触和洛佩斯含蓄笔致下事物的永恒之感。他的人物造型带有一种巴尔蒂斯式的凝重,喜欢深灰褚、土棕和深蓝色、暗灰绿多种色层关系的转换形成的驳离感,中性偏冷的色彩基调、凝重的造型和古典倾向的光影处理,都使范勃的作品具有某种理性时代的完整性。

抽象油画艺术的核心就是形式,抽象油画最为关注的就是画的形式,画中的点线等都是在客观事物的基础上抽象出来的精华元素,这些元素可以很好地概括事物的内在和本质属性,因而抽象油画没有必要去苛求事物本身最真实的线条了。油画以其独特的魅力给人的视觉带来了巨大的视觉享受,同时也给了人们丰富地精神感受,人们的思想和艺术审美在油画中得到了巨大的启迪和发展,油画再现了自然美和理想美,其自身的形式美也达到了艺术创作的极高境界。首先,写实油画对于真实事物的反映具有审美的价值,油画利用三维的空间幻觉能力和对绘画对象真实性的展示是其他画种不能比的,超写实画家利用自己高超的绘画技巧来创造自然中的美以及精神上的欣赏之美。

图片 9自画像 1989年 布面油画 49.5 × 44 cm

其次,油画具有理想的美,艺术虽然来源于生活但是高于生活,油画艺术中的理想美是对现实美的提炼,画家经过对现实中的美进行提炼和规范以后在绘画和表达上迎合了人们的审美需求,在形式上油画艺术在后期的发展中逐渐变得成熟,美的形式更加的精炼和纯熟,由此油画的画法得到了巨大的发展,油画技法在形式上有了多种多样的改革,油画作品的面貌也有了多种多样的呈现。

创作于学院时期的《自画像》中画家身着白色衬衣及青色外套,留着长发,下巴微微扬起,目视前方,这一形象令人不禁想起法国现实主义画家库尔贝的作品《抽烟斗的人》。而在本件中,人物处于深暗的背景之中,整体色调偏冷,人物的面庞和衣服更加具有一种厚重感。表现出一种坚定的态度,观者从人物坚毅的眼神之中可以感受到一种批判的力量,展现出艺术家意气风发的青春时刻。学院教育带给了毛焰一种古典的情节,因而使他能够平和地看待当代艺术的前卫实践和种种时尚潮流,始终保持清醒独立的态度,坚定自己的绘画理想。

不同于抽象油画艺术的,超写实油画对人物个性的忽略也导致了自然美的缺失,在超写实油画作品中我们可以看到十分真实的人物形象但是感受不到一丝人物的感情,写实油画中的人物往往只是拥有空洞的眼神、呆滞的形态。此外创作者的情感也被压抑了,传统的写实主义可以使人从画面中感受到某个情节,具有一定的叙事性。超写实油画的创作就是对照片的再现,同时又避开了个人的主观情感,对现实生活中的世界进行冷漠的处理。最后创作者过于追求绘画技法忽略的形式美的塑造。

图片 10男人体 1989年 布面 油画 98.5 × 78.5 cm

油画艺术在不断的发展中经历了写实艺术审美的发展到超写实油画艺术的实现,最后衍生出抽象油画艺术,在油画的发展中无论是更加重视技法还是强调对情感的宣泄,都不要忽视油画创作中对审美的探索和体现。

《男人体》这幅作品产生于毛焰的早期学院绘画时期。背景中如画布、屏风等物件向我们呈现了作画的场景。而从画家对于模特的人体结构、皮肤肌理、面部表情以及人物整体精神状态的描绘与再现中,我们可以感受到画家扎实的写实绘画功底。此外,从这一早期作品中我们已然可以看出画家对于冷色调的钟爱以及倾向于在画面中营造出一种静谧、清冷的氛围,他笔下的人物肤色接近一种亚麻的黄色,整个画面仿佛处在凝固的时空里。

图片 11室内 2006年 布面 油画 150 × 150 cm

张恩利的空间绘画源于一次自己的搬家经历,人去屋空,留下的是伤感的情绪和时间的印迹。走进《室内》可以看出张恩利首先在画布上直接起稿,而后再用正确的色调整,这样便有了“草图“的假象,同时这些痕迹成为了画面“笔触”的一部分。他认为当错误成为一种阐述方法时,观者会不断推测那些画错部分的原因。而《室内》在画面中留出大面积的画布,所借鉴的是中国式留白。张恩利有意识地将绘画性和想象力结合起来,人造氛围是他作品的又一灵感之源,光线渗透在画布中,灯泡与吊灯都模模糊糊地闪着光芒,好像光线的气氛浓厚而富有触感。

图片 12东坡的一封信 2011年 布面 油画180 × 280 cm

在中国山水画里,屠宏涛最终找到了自己的情感归宿,他用传统山水画式的“以大观小”和“移步换形”与“城市舞台”进行着场景转换。与杭州临习中国书画有关,屠宏涛更愿意在人与“春有百花秋有月,夏有凉风冬有雪”的自然中获得快慰,他尤喜欢北宋李成和郭熙山水中的视觉气息,《读碑窠石图》历史纵横的苍冷,《早春图》勾魂摄魄的烟云等对他来说是都奇幻的舞台,如此件《东坡的一封信》,恰如苏轼《枯木怪石图》的现代演绎,屠宏涛借用油画材料表现中国山水图式,幻化着他对“文人化”思想和生存方式的向往;他说“山水是一种精神气质”,画面中极具个人代表性的笔触仿佛跳脱出画面,抢先触碰着观者的感知,以背景的柔和反衬出人和物对空间的占领。

图片 13如果能飞,能去往哪里? 2006年 布面 丙烯 250 × 170 cm

《如果能飞,能去往哪里?》中的男子伸展着自己的翅膀,怀着飞翔的梦想在高处看着周遭的现实,具有强烈的隐喻性质。韦嘉采用其后期版画创作的简洁构图,并有意弱化色彩的对比变化,背景中采用的流淌效果为画面带来一种多层次的激荡情绪。画家通过一种调侃式的、经过提炼的图式语言表达着对当下境遇的反思,表现着被现实阻扰的理想之翼,反映出艺术家面对现实生活产生的失落与无奈,从而引发人们对最终归宿的思考。韦嘉的作品极少出现“我”以外的另一方,却带来一种充满诗意的悲伤情怀,他用精简的图式语言与前卫的视觉趣味,呈现出一个最真实的时代。

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