放大的美,作为艺术爱好者

日期: 2020-01-06 11:45 浏览次数 :

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问:作为艺术爱好者,你认为艺术作品中的画面和现实中的场景有完全一样的吗?

问:就当下人们的艺术审美而言,油画若是不写实,就无法成为名画吗?你怎么看?

摘要:本文试图通过对油画作品《大桔》的解析,探寻艺术家对创作的初衷和创作方法上的一些独到的理解,透过艺术家的艺术观和人生观来发掘一种属于东方的审美范式,一种以小见大,揭示和呈现生活的美和本质这一艺术诉求。

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《大桔》创作于2002年,作者:张彤云,广州美术学院油画系教授,布面油画,画心尺寸:110*92厘米。作品构图上为了突出中心主题大桔的造型特征,打破了白色托盘的完整造型,同时在四角以灰绿色背景与大面积的橙红色大桔相互映衬,形成了互补的色彩关系,使整幅画面在色彩上丰富变化的同时又不失统一。被精心剥开的桔皮与其在光线下的投影相映成趣,同时产生了丰富的造型变化,使得原本单调的一只孤零零的桔子变得更加富有情趣,整个画面更为饱满。丝丝的桔络鲜活的串联起了桔皮与桔瓣,不仅丰富画面细节,而且刻画出了大桔的生命力。

想必喜欢艺术的人都听说过“艺术来源来生活”与“一千个读者就有一千个哈姆雷特”这样的话,一件艺术作品的题材来自于生活场景,即便如此,每一个人对同一件艺术作品的解读都有所不同,问题来了:作为艺术爱好者,你认为艺术作品中的画面和现实中的场景有完全一样吗?

现代人对艺术作品知之甚少不谙画理,追求快餐式的生活方式,追求时髦的视觉体验,因此写实性的油画作品已经被动漫、插画等所代替。文学性叙事风格的油画写实作品不一定会成为名画,而抽象灵动的油画作品也能成为经典,这要看人们需要怎么样精神诉求和寄托。人们对艺术的认知需要不断推进的发展要求,因此当代的艺术往往与社会学、心理学、哲学紧密相连,探索着我们对社会生活中的文化思考。

一、放大的美

艺术作品中的画面和现实中的场景是完全一样的

艺术作品就好比是艺术家在我们面前放的一面镱子,让我们观察,而且是切切实实地观察我们周围的一切,不论是那些不轻易就能欣赏懂的艺术,同样也是如此,只要我们把它和过去、和其他的艺术、和我们自己的想象联系起来,艺术的享受就可以直接产生,

艺术作品中的画面就是给人们享受的,唯有享受,艺术才有价值,开篇说了,艺术作品的题材来自于生活场景,这包括了所有艺术,要注意,大自然也是我们生活的一部分,大千世界,丰富多彩,很多事物的运行都有美的轨迹或留下美的痕迹,绘画是一种再现的艺术,摄影艺术又是对现实世界的高度还原,

经过上段的描述,我们就可以认定,艺术作品中的画面和现实生活中的场景是完全一样的,作品画面的背景也来自于现实场景,只不过现实比较复杂,艺术要表现的简单,艺术作品才有主体与背景之分,形象理解,艺术作品就是直接“划重点”,化繁为简,

或许有人会认为,艺术作品中有些人、物是虚构出来的,这就和现实中的场景不一样,其实这样的想法也是错误的,即便艺术作品中虚构的人、物,也是有意义价值的,它和现实中的场景也有直接关系,因为艺术作品中的虚构部分,也是对现实中某些场景人物的影射。

可以肯定的说,艺术作品中的画面和现实中的场景没有完全一样的。无论是绘画作品,还是摄影作品,都不可能做到和现实场景一模一样。

艺术来源于生活,是对生活的描绘和记录。但艺术不是对生活模样的照搬和复制。艺术作品中有真实的生活场景,但不是生活场景的全部,艺术作品中还有艺术家主观上的审美取向和情感流露,这些主观的东西和客观的生活场景是交融在一起呈现在画面上的。

比如达芬奇的《蒙娜丽莎》,人们看了会觉得很熟悉,有一种似曾相识的感觉,蒙娜丽莎就是生活在人们身边的某一个真实的人。这是艺术作品带给人们的共鸣。但是这并不能说明《蒙娜丽莎》的画面和真实生活中的场景是完全一样的。包括蒙娜丽莎的神态表情和生活中的人物原型是不会完全一样的,至于画面中的背景图案是画家设计添加上去的。

十九世纪古典主义唯美写实油画集大成者布格罗一生创作了数百幅人物油画,从神话中的女神到现实生活中普通的平民百姓,个个秀丽端庄,美仑美奂,布格罗把唯美做到了极致。但是现实中的场景跟布格罗的油画描绘出来的是一致的吗?肯定不是的。连布格罗自己都承认他是一个理想主义者,他在作品中把现实生活中的人们理想化了。布格罗追求的是一种唯美的艺术境界。

艺术来源于生活又高于生活。这句话同样告诉人们,艺术作品中的画面和现实中的场景不会是完全一样的。

个人认为艺术作品中的画面和现实中的场景并没有完全一样的。或者说人眼中看到的现实,与真实的现实都没有可能完全一样,即使是摄影技术,拍出来的照片也不可能跟现实完全一样。它会根据输出的分辨率不同,文件大小不同,而丢失一部分色彩;此时的现实和彼时的现实,仅仅一秒之差都可能产生变化。所以所谓的完全一样这种事,在现实世界中根本不存在。

但如果您要达到这种所谓的完全一样,是指眼睛看到的场景与画面近似到无法分辨的地步,西方的某些艺术流派确实可以做到这一点。

1、写实主义

写实主义又称为现实主义,作为一个流派由19世纪50年代,法国画家库贝尔和作家谢弗列里提出,写实主义,不仅要求不偏不倚的描述细节现实,还要真实再现画作中的典型人物。因此写实主义画作,是非常趋近现实场景的。不过后来这一称呼被开始广泛运用于各种风格的画作评论,库贝尔的朋友尚弗勒里就提出,写实主义在所有画作中是广泛存在的。确实,在西方绘画中非常讲究对现实的描摹,只是对现实的描摹程度不同而已。

2、超写实主义

说到超写实主义画家,就不得不提中国超写实主义的代表人物——冷军,冷军的作品可以逼真到近距离观看犹如实物在眼前,却比实物更加生动,可以说是极端接近实物场景了。但你若认为超写实主义就是在描摹现实中看到的真实事物,却并不对。

超写实主义是从美国照相写实主义发展而来,他利用了照相技术中的景别、景深、焦距、透视等技术,揉合非常高超的绘画技巧,描摹一个虚拟的现实场景,可以说它比现实更加逼真。

超写实主义是一个小众流派,在现代,有很多人是超写实主义的坚实拥趸,更多的绘画专业人士提出超写实主义过分依赖于现实,束缚了绘画情感的表达。而且现在的摄影投影各方面技术越来越精密,超写实主义绘画缺乏其必要性。不过,这是另一个话题,本文中就不再赘述了。

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關於這個問題,應該從兩個層面解讀。首先要搞清楚什麽是藝術品?藝術品的種類有哪些?其次要弄清楚什麽是現實場景?現實場景與藝術品的關繫?我不是藝術家,也不是評論家,更不是理論家和哲學家,所以,只能將略知一二呈上,讓讀者批評教正。

一、藝術品及其種類。

1、藝術品。通常講,藝術品是藝術家智力勞動成果的結晶。它作為一種特殊商品流通於藝術市場,與其它商品相同的是:它也具備普通商品的基本屬性一一使用價值和價值;而不同的是:藝術品的使用價值體現在精神層面,而不是休現在物質層面,它是以滿足人們的某種審美需要和精神需要為目的。因此,藝術品的使用價值受到主觀因素的影響極大。

2、藝術品種類。現實生活中,人們把藝術品劃分為很多種類,通常講,有水墨畫、國畫、書法、陶瓷、樂器、雕刻、琉璃擺件、鐵藝、銅藝、奇石、蠟象、花藝、茶藝……等等。

二、現實場景。現實場可分為虛擬現實場景和自然現實場景。

虛擬現實場景是一種計算機仿真繫統。它是通過人工智能對三維世界的模擬形態,創造出一種嶄新的交互繫統,利用計算機生成一種模擬環境,為用戶提供關於視覺、聽覺、觸覺等感官的摸擬,讓用戶具有身臨其境之沉浸感與享受感,亦可在虛擬現實環境中進行交互替用。

自然現實場景。自然現實場景是天然形成的不可完全復制的自然美景。比如:吉林的古林霧淞;廣西的桂林山水;雲南的石林奇觀;山西的壺口瀑布;新疆的塔克拉瑪幹沙漠等。大自然就是一首詩,一幅畫,一首歌。古代有很多大詩人描寫了許多頌歌大自然美景的詩句。如:到處皆詩境,隨時有物華(宋.張道洽),綠楊煙外曉寒輕,紅杏枝頭春意鬧(宋.宋祁),等等。

三、藝術品與現實場景的關繫。就藝術品而言,它既是抽象、虛擬的,也是大自然客觀存在的。藝術品與現實場景創造出來的東西,都類屬藝術品之列。因此,從美學觀點講,只要是真的存在的就是美的,無論是精神層面的,還是物質層面的,都是一種藝術品的存在形式。

由此可以得出:藝術品中的畫面與現實場景是有所不同的。

艺术作品中的画面和现实中的场景有完全一样的吗?按照提问者的意思,我觉得特指视觉艺术跟现实场景之间的对应关系。

视觉艺术包含种类挺多,有雕塑,绘画,摄影,建筑,设计,书法,共六大类,其中,可以把作品的形式感可以称作画面的只有绘画和摄影,平面设计的形式感也可以称作画面,但艺术性要差于前两者,因此,本文不去讨论,仅仅谈绘画和摄影。

事实上,绘画作品里不可能找到画面跟现实场景完全一样的画面,根本原因是,绘画虽然在构图形式上要参照现实场景,但最终创作出来的图式不是完全照抄现实中的画面,而是经过画家在构图上增加或减少一些场景,以期达到某种艺术效果。

可以说,绘画的构图完全遵循画家个人对美的理解,什么样的画面能展现出丰富的美感,画家就会在画面形式中按照大众的审美爱好来构图。

比如在一些女性肖像油画中,虽然要以模特为艺术原型,但画家为了装饰效果,常常会安排模特手中拿一些装饰品,或者鲜花,或者陶瓷制品,或者抱着宠物,这样的构图对增加画面的趣味,以及表现人物的心理状态很有作用。

在国画画面中,通过构图来体现装修性要更明显一些。比如,很多自然山水中,是没有房屋和人家的,但画家为了体现生活气息,会在山水画中加入一些房屋,庭院和人,动物等,能有效增加画面的烟火气。

即使是一些摄影作品中的画面,跟现实场景也不是完全一样。

比如,摄影中通常有主要画面和次要画面的区分,一些摄影家为了突出主要画面,通常会以局部特写的方式,把主画面放大,让它更显眼,细节更完整,会把次要画面通过虚化处理的技法,让其变得朦胧模糊,达到衬托主画面的作用。

但在实际场景中,它们其实是一样的,只不过被摄影家用艺术手法改变了,导致观者视觉上出现了差异。

拍摄一些人物群像摄影作品时,为了把一群人里边的主要人物体现得高大、伟岸,摄影家往往会选择一定角度,并采取俯视的拍摄视角,完全能达到自己想要的艺术目的。

因此说,艺术作品跟现实场景是两个完全不同的画面,艺术作品中的画面更有主观性和审美性,现实场景的画面更体现出客观性。

艺术作品中的画面和现实中的场景有些是完全一样的,有些是完全不一样的。画面与场景一样或不一样,是艺术家根据实际创作的需要而确定,如有些绘画、摄影、雕塑等艺术作品中的画面和现实的场景是完全一样的没有什么区别。反之有些艺术作品的画面和现实场景不一样。

一、超写实油画具有逼真、细微的艺术美感。超写实油画流派,主张绘画艺术要“逼真”和“酷似”,必须做到纯客观地、真实地再现现实。在创作超写实以山水风光为题材的油画中,画家创作的油画作品中的画面和场景完全一样,真实地反映山水风光画面,没有人工装饰的场景,具有欣赏性的审美效果。

二、油画中的女性人体是油画的特色美,是人体艺术写实的逼真形象性的艺术风格,是绘画的表现形式。油画艺术的人体画面和现实场景不一样,是画家通过装饰和摆设一些物品来衬托女性人体艺术更加美丽,在绘画作品中可以体现出来。

三、油画是视觉艺术,油画具有艺术形象的欣赏性的审美情趣。在超写实油画作品中反映山水风光的题材,油画作品的画面和现实场景应该是完全一样。而在人体油画作品中,油画作品的画面和现实场景不完全一样。

作为一个艺术爱好者首先应该明白什么是艺术。如果明白了这个问题就迊刃而解。

艺术包含的范畴很广,但都是人的一种思想行为的表达形式。如陶瓷,根雕,钱帀,建筑,绘画,书法,舞蹈,语言,音乐,等涉猎范围很广。艺术最初来源于生活,但高于生活。

笔者问艺术作品中画面与现实生活中的场景有完全一样的吗?我认为有,因为艺术基于生活。艺术手法分为写实主义,超写实主义,印象主义,抽象主义。

写实主义基于现实场景的准备性,如摄影,油画都如此。之所以提高到一定高度是作者利用现实场景的某一场面的人,物,景像来表达自己内心的渴望和思想情节。但它都基于现实,且于现实场景一置。

艺术是一种现实生活的升华,就是通过人们视觉,听觉,味觉来还原生活美好的和丑陋的一面,让人触景生情,无限遐思。

在生活中我们触及到艺术给我们带来的刺激,只是现实生活中的一个点或一个面,有时通过是与非的辩证,有时通过超实写法,有时通过印象手法来刺激人们的感觉神经。

艺术是一种思想行为模式的表达形式,一种自然的超越,一种现实的写真。

现实

你好亲,很开心回答你的问题

艺术作品中的画面与现实中的场景完全一样吗?

个人拙见,不一样

因为,艺术创作来源于生活,但是高于生活

个人拙见,通俗地说,艺术的高于生活,是对现实世界的升华的境界

如果绘画作品中的世界与现实生活中的场景一模一样的话,那么为什么不用相机拍照?何必辛辛苦苦地创作一幅画?

对于油画而言,油画是有许多风格,流派的

油画的表现方式丰富多彩,笔触,色彩,肌理,都是照片所不能达到的艺术效果

古典油画,写实油画,超现实油画,写意油画,抽象油画

当然,抽象油画,写意油画,是画家主观意识营造的艺术效果,是照片不能达到的艺术视觉语言

那么,油画流派中的传统油画,传统写实油画,比如文艺复兴时期的佛罗伦萨画派,新古典主义画派,洛可可画派,浪漫主义画派,现实主义画派

这些画派,都是提倡绘画的科学性,写实性

西方从事传统写实古典油画创作的画家,比如达芬奇,拉斐尔,米开朗基罗,扬凡爱克,安格尔,大卫,夏尔丹,伦勃朗,鲁本斯,华多,布歇等画家,运用自己熟练的写实绘画功底,运用明暗,结构,造型,空间,体积等写实绘画因素,在二维画布上,再现真实立体的三维空间效果

那么,既然传统写实的古典油画,是在画布上再现真实客观的三维立体空间是不是写实古典传统油画,其画中的人物,场景是与现实生活中的场景一样?

还是不一样

写实传统的古典油画,同样是对生活的升华境界

比如新古典主义的油画,佛罗伦萨油画其画中的女神,或者贵族阶层,都是经过画家艺术处理的,因为西方传统古典油画,注重理想美,高度完美的艺术境界

比如对于新古典主义画家安格尔,虽然新古典主义画风,是正统的学院派画风,遵循严格的法度规矩创作

代表画家安格尔,相喜欢古典文学,史诗,神话

深厚的文学底蕴促使安格尔在绘画创作中,注重崇高圣洁的精神内涵

你看安格尔画笔下的《大宫女》,《泉》,画家画中女性近乎完美,纯净无暇,洁净无暇的画风达到了圣洁高雅的艺术境界

而安格尔画笔下的的女性,女人体,都是圣洁典雅的艺术效果,而这种完美的理想美,是经过画家艺术处理的完美境界,是现实生活中不存在的完美

个人拙见,只有历史题材的油画,才是真实还原当时的历史场景

比如戈雅的油画作品《1808年5月3日》戈雅怀着沉痛的心情,一腔悲愤的爱国之情,真实记录了人民反抗拿破仑侵略的历史事件,记住屠杀无辜的统治者的残暴,记录当时血腥的屠杀场面

所以个人拙见,只有关于历史题材的油画创作,才是真实还原历史的油画

回答完毕

我是艺术狂人,从事少儿美术教育,如有美术,美术教育的疑问,欢迎私信我

粉丝们,条友们,你们有什么高见呢?

艺术来源于生活而高于生活!

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作为一个艺术工作者,我觉得不应该一样。

艺术作品反映现实的生活,有生活内涵的作品才有生命力。但艺术要高于生活,艺术是生活的浓缩,是生活素材的高度集中反映,这就要求艺术不能原封不动地表现生活,艺术作品中的画面和现实中的真实场景是有距离的。

说到作品中的现实场景,让我想到陈丹青的一件油画《解放南京》,画面表现解放军战士把红旗插到国民党总统府的楼顶,意寓国民党反动派的彻底失败及南京城的解放。整个构图以俯视的透视取现实场景,总统府显得高耸入云,让观众感觉解放南京的不宜,这是中国人民半个世纪来付出了太多的牺牲,流血流泪取得的伟大胜利!这张作品中的现实场景构图手法夸张,似与不似,才产生了震撼人心的艺术效果。

艺术作品画面中的场景忠于现实场景,但不能原封不动地表现,似与不似是艺术的最好表现。

如果是绘画,场景不可能完全一样。因为绘画属于主观创作,理应有所取舍,为突出主体把背景淡化甚至完全不画。相对绘画而言,摄影更接近现实,但是摄影也会把杂乱的背景虚化,突出主体和层次感。所以说,艺术来源于生活,但要高于生活。

油画写实与不写实,成不成名画,没有任何必然联系,如果写实了,画如照相一样,或越精细艺术价值越高?那么,我选择照相,但照相不是艺术,更不可成名画,只算一种技术,工艺品。

放大,作为一种艺术创作手段并不鲜见,精微之处有乾坤。现代文学大师郁达夫曾有句名言:一粒沙里看世界,半瓣花上说人情。油画作品《大桔》将手掌般大小的桔子放大数百倍,并将其中复杂的结构变化、微妙的光影关系、色彩变化和透明半透明的视觉效果精细呈现,让观者在潜意识中不由自主地产生想去把它拿下来的冲动。

西方油画,由于文化内涵不足,欣赏起来,刚看还可,过几天觉得沒多少东西看,而且千遍一律,大同小异,由于太直白,加之没文字(书法),诗赋,印章,所以显得单调,不耐看。

放大这个词除了自身本意使图像、声音、功能等的变大之外,策展人黄笃、杨心一在2013年第55届威尼斯双年展平行展上将其延展出三层含义:一、它在物理学上指某一物质的量的增大。它表示一种规模转化的过程,同时也包含自然界中的物质聚变。二、它在社会学上再现了国家的发展、社会的进步及个人信仰的精神状态。三、它在视觉艺术上表现了艺术家主观的想象力、创造力和表现力,是艺术语言与观念的呈现。《大桔》作为运用放大的手法进行创作的油画作品,将桔子的图像的信息量增大了数百倍,打破了人们对于桔子本身这一物质概念的传统印象。面对着一只硕大无比的,被精心剥开的大桔子,在给观者以全新的视觉体验的同时,其审美体验也被放大的数百倍。

欧州二次文艺复兴,出了很多写实名画,这与当时世界经济,政治,科技先进有关。并不是油画越写实,艺术价值越高,特别是现在,能写实的人很多很多,信息时代,见多识广,更不可能写实作品就能成名画。

当人们用放大镜去观察周围的生活时,其惯用的视角被颠覆了。桔子不再是印象中的那个桔子,变成了由无数充满汁液,表面凹凸不平的桔皮包裹着的一个橙色的果实。在放大镜下,由外层橙色表皮和内层白色网状桔络组成的桔皮,格外的清晰,其内层的由桔络包裹着的细胞凸起甚至可以数清其大致数量,这在日常状态下是无法想象的。光线洒在剥开的桔子在乳白色的盘子中呈现出的投影的形状既完整又温暖,同时成为了整个画面构图的一个重要组成部分。光线透过硕大无比的桔子瓣,产生一种微妙的半透明视觉效果,在桔络的网状分割下,格外的引人入胜,让人产生甜美的味觉想象。

的确,在数以百计的油画名画中,写实油画占了相当大的份额,说十有七八也不为过。迄今为止,写实油画仍是作品最多、受众最广、影响最大的油画,这是事实。但是,并不能因此就断定,油画若是不写实就不能成为名画。事实上,非写实油画成为名画的也有很多,比如莫奈、马奈、雷诺阿、德加、梵高、高更的印象派油画,马蒂斯的野兽派油画、毕加索的抽象派油画,达立的超现实主义油画等等,都是非写实油画,但同样受到人们的喜爱,同样被公认为是经典的名画。

真实,并不能够给人以强烈的视觉震撼,而放大的真实,才是有力量的。

我们知道,大多数名画的产生并不是一朝一夕的事情,而是经过了岁月的沉淀和一代又一代人们的审美检验而后被认定为名画的。写实油画之所以产生的名画多,原因是多方面的。

二、诗意般的现实存在

一是,写实油画是伴随着油画产生而产生的最早的油画。十四世纪西方油画材料调制成功以后,以追求造型具象真实精准为主旨的写实油画即成为油画创作的范例并长期主导和引领着油画艺术的发展。

相较于超级写实主义的虚拟的真实,《大桔》呈现的则是一种诗意般的现实存在。超级写实主义作品中的对象和场景描绘得非常精致,创造出原始照片中没有的一个新的现实的幻想。这并不是说他们是超现实主义,因为这种幻想是一个令人信服的描写现实。纹理、表面、灯光效果和阴影画表现得清晰,比参考照片甚至实物还要鲜明。超级写实主义的哲学根源自让鲍德里亚的理论,模拟的东西永远不在现实中存在。(the simulation of something which never really existed.)因此,超级写实主义创建了一个虚假的现实,是一个令人信服的幻想,是基于现实的一个模拟。《大桔》不同于超级写实主义的最大特征是诗意性,一种东方式的超级写实主义风格。它在如超级写实主义那充满无数令人信服的细节描绘的同时,温暖的色调、饱含感情的笔触和令人拍案叫绝的构图方式,运用高超的写实技巧和独特的艺术语言,给观者呈现出诗意般的现实存在。

二是,十四至十六世纪的文艺复兴时期是写实油画即古典主义油画形成发展的一个高潮时期。一方面,写实油画在文艺复兴时期发挥了积极的影响和作用,一方面,文艺复兴又为写实油画赋予了特殊的意义,罩上了历史的光环,这一时期创作的大量写实油画后来成了世界名画。

大桔,作为在日常生活中再平淡无奇不过的一种水果,人们对其早已司空见惯。画家不是以仿像为主要目的,《大桔》借用仿像本身的通识性,试图透过细节深入观者的内心,触动观者产生新的现实想象,一个巨大的被创造出的大桔正现实存在般的摆在人们的眼前,而此时观者原有的对大桔的印象就此被替换掉了。一种莫名的由心而生的巨大满足感不断涌现,那般的甜美可人多汁的大桔,在画家的手中被创造出来,令人叹为观止,难以置信。诗意性的超级写实主义的特质,正在于其仿像本身的非目的性,由画家创造出的艺术图像引导观者去想象生活中想得却不可得的那种美,为观者的审美体验创造出多一点的空间出来,才是画家的艺术诉求。

三是,写实油画是历时最久的传统油画。从十四世纪开始一直到十九世纪上半叶,从古典主义到新古典主义,写实油画一直是油画的主流甚至可以说在油画艺术世界“一统天下”,其作品数量之多、积淀之厚、受众之广、影响之深包括在对人们的审美习惯培养上的影响是可想而知的。这也是写实油画中产生名画较多的一个重要原因。

三、画家的艺术观与人生观

而非写实油画包括印象派油画、抽象派油画以及现代油画等,时间最长的也不过一百多年,有的才几十年,无论在历史沉淀上经验积累上还是在作品数量上等方面,都还不能与写实油画相提并论,这是非写实油画中名画相对较少的原因。

通过画家的作品能管窥其在特定历史时期的艺术追求和审美趋向,而透过画家的日记、语录或许能发掘其对艺术、对生活的态度。

但非写实油画名画少并不等于不能产生名画。后印象派大师梵高、高更等在世时都很不得志,作品不被人们赏识。但是多年以后,人们发现了他们油画的艺术价值,他们的画成了世界名画。这说明,不管是写实油画还是非写实油画,只要是好的优秀的经典作品都有可能成为名画的,是金子总会发光的。

世界需要创造,但创造不是凭空而来,而是从实际生活中对事物进行分析了解和掌握就是实践,通过实践才能出真知。在真知的基础上进行改造。这样得来的改造创造,这样得来的创造才是踏实的,可靠的。

写实绘画在艺术形态上属于具象艺术,是绘画的一种表现手法。艺术家通过对外部物象的观察和描摹,亲历自身的感受和理解而再现外界的物象,这种艺术作品符合观者的视觉经验,为观者提供感官的审美愉悦。画家此系列作品看后让人震惊,其真实度堪比一台高清像数相机拍摄的效果。

我对于各门类艺术的看法皆基于此。无论是视觉、听觉、文字或形体艺术等等,它们之所以能够达到艺术的境地,都是把生活里所感所见的事物现象分析、了解、掌握,然后再按照自己的兴趣、爱好、条件......创造出能引起人们共鸣、源于生活、不同于生活、又高于生活的艺术。

这些画家在绘画时,并没有想自己属于哪种画派。比如要画一个长得并不漂亮、但很善良的女人,画家的目的是把她的本质提炼到画布上,只有完全写实、一点不走样地画出来才能达到画家追求的效果,完全是根据对象的需要。比如画螃蟹,如果很写实地画出来就已经很漂亮了,完全写实画出来,比写意画更有表现力。画家往往是根据不同的表现对象而选择表现手法的,并不是机械地追求某种风格。写实油画的画面处理要通透干净,技术要求自然很高。写实是一点不能走样的,要求画得非常细,一点处理不好,就会又腻又脏。

作为视觉艺术的绘画也不例外,我们视觉所见的各种物象,能感觉到的,只是一些不同形状、不同深浅、不同色相、不同清楚模糊的色块和线条的组合。这是纯感觉的感性知识。我们进一步了解它,了解这些色块、线条为什么是这样形状?为什么会深?为什么浅?为什么是这个颜色?为什么清楚?为什么模糊?为什么会出现这样或那样的组合?......当我们了解了它们的由来,它们出现的原因,当我们知道了在平面的画面上它们各自能起的作用和特点,于是我们就掌握了构图的规律、形的规律、体积的规律、结构的规律、明暗的规律、色调的规律、色彩的规律、空间的规律、动态的规律、神态的规律,知道了它们怎么样在画面上起到作用。

绘画技术的高超,也正是写实画派走势强劲的重要原因。当代写实油画符合大多数人的审美观,易懂易看。写实画家笔下形象的造型准确、色调真实,高技术含量提升了他们绘画的品质,这正是赢得市场高价位的关键。一张好的写实油画,创作起来非常不容易。

当在丰富多彩的生活中,某件事物打动了你,而它又符合以视觉形象来传达的条件,你就可以通过某个特定的景物、形象、如实地(写实、具像)、或夸张地(变形)、或击中要害简练地、或象征式(抽象)地、甚至拆卸重组装......你所设想的任何形式来表达出打动了你的那一点东西(生活基础)。然而这件事物应该是广大人民也为之关心、为之激动的(思想基础),就能引起人们共鸣。由于是客观事物现象经过你主观构想,去粗取精、去伪存真,抓住要害,它比生活中繁杂的事物现象更集中、更有力,运用你的绘画语言,选择适合它内容需要的造型因素,适合它内容需要的工具,适合它内容需要的手法把这份意念强有力地表达出来,传达给人们,从而感染他们。这就是一件成功的艺术作品。[1]

自油画诞生之日起,便担负起了“再现”的使命。它是应表现空间、质感、色调而生的。它的不断完善也正是以此为目的展开的。我们对油画这个概念的理解,也同样是建立在这样的基础上的。同理,它的存在自然也应以此为前提。

最高的报酬不是金钱物质,而是人们对你的信赖,真心实意的赞誉。我要在真实生活中寻找、发掘真实的美,用文字、用绘画语言把它们记下,用放大机、用显微工具再现于人世。世界应该是美好的。我喜爱阳光、鲜花、我爱和平。人们应该互相关心爱护。给予能得到最大的快乐。

但是,经过了印象派的洗礼后,似乎出现了新的现象,油画开始不那么注重再现这个传统了。例如,塞尚的探索,让油画走上了一条陌生之路。随后,伴随着毕加索、蒙德里安的出现,更加坚定了这条道路。从他们的作品上,已很难找到过去作为油画材料本身所特有的东西。取而代之的是思想形式的东西高于一切。这时的作品虽然还是叫做油画,但只是个名词罢了。

To give is a great pleasure.

写实主义油画只是西方十二种绘画流派中的一种,而任何一个绘画流派都有自己的独特风格和经典的传世代表作。

People ought to love each other.[2]

古典绘画盛行的时期还没有照相技术,请画家画肖像画,就像去照相馆拍照一样。而天主教会的壁画,是教会希望大家来礼拜的时候,感受到神的力量,此时的绘画有实用价值。

我爱和平,我爱安祥的生活,我愿发掘世上一切美好的事物献给人们。

照相技术诞生后,写实主义就崩塌了。开始出现不接地气的艺术形式,例如从印象主义开始,那些不为了画得像而创作的艺术开始火了。

张彤云

为方便理解,此文重点列举写实主义之后的几大流派的代表作品——

从以上的文字中不难看出,画家对于其创作的初衷和生活的态度是那样的纯净。面对纷繁的物质诱惑,浮躁的社会氛围,只有当画家有一颗沉浸于艺术创作的心,全情投入的去捕捉生活中的美好事物,才有可能成就伟大的艺术作品。生活之美,或许它是渺小的,微不足道的,或许它是转瞬即逝的,但它们都逃不过画家的眼睛,正是因为有了画家才让它们定格,成为一种永恒。

  1. 佛罗伦萨文艺复兴

[1]张彤云2007年8月8日日记

代表作:《雅典学院》

[2]张彤云1990年1月16日日记

  1. 威尼斯文艺复兴

2014年6月6日写于长春 王洋

代表作:《圣母升天》

3.北方文艺复兴

代表作:《阿尔诺菲尼的订婚式》

4.矫饰主义

代表作:《长颈圣母》

5.巴洛克

代表作:《圣马太蒙召》

6.洛可可

代表作:《秋千》

7.新古典主义

代表作:《拿破仑》

8.浪漫主义

代表作:《肖邦肖像》

9.写实主义

↑ 写实主义代表作《拾穗者》

↑ 写实主义绘画的开山祖师库尔贝《画室》,反映出明显的写实精神

写实主义起源于19世纪的法国,后来波及欧洲各国。写实主义反对新古典主义的僵化古板,反对浪漫主义的抽象虚无,追求表达社会底层人物的生活疾苦,反映社会现实。写实主义绘画的出现,与当时的时代背景密不可分。19世纪的欧洲经历了人类文明自诞生起经历的最大变革。科技进步,火车、蒸汽机发明;达尔文提出物种起源学说,极大冲击了基督教精神。同时,文化方面有启蒙运动解放人们的思想和内心。社会贫富差距扩大,平民生活疾苦,在这样的时代背景下,下层人民成为艺术创作关注的对象。19世纪,逐渐出现了写实主义、印象主义等绘画流派,可谓是百花齐放。写实主义主张描绘真实,表现生活疾苦,同时还要批判社会。写实主义的“写实”,不是指画得像,而是表达主题上更加贴近生活。写实主义的画家深入生活、观察生活,有着艺术家的社会责任感。

10.印象主义

↑ 印象主义代表作:《日出印象》

印象主义是看到什么画什么,看到光影就画光影,眯着眼睛看,你会有身临其境的感受,其他的古典主义,给你的是视觉冲击,印象主义给你身临其境的感觉。

11.后印象主义

↑ 后印象主义代表作:《星空》

后印象主义的塞尚、高更、梵高,为了表达内心情感,把绘画内容做了一定的扭曲。这是梵高用扭曲的画面表现自己的内心,画家的情绪结合了绘画技法,给人一种非常玄幻的感觉。

12.现代主义

↑ 现代主义代表作:《1948》

现代主义的核心审美价值是“画了什么不重要,传递给你的是真实情感”。欣赏现代主义绘画作品不要去想他画了什么,而是看他表现了什么情绪。现代主义又细分了很多流派,现代主义画家使用绘画直接表达情感,并不想让我们知道画了什么。


延展:

欣赏油画艺术作品时,不要拘泥于风格主义,因为这都是后人总结的,艺术家在创作时并不知道自己是什么风格。

现在的艺术不一样,当代艺术是有明确风格的。

↑ 纽曼代表作,纽曼把画面涂满蓝色,再画一条白线,就卖了3亿4千万

↑ 杜尚签名的小便池《泉》,这件作品本身没有什么艺术价值,而是杜尚的行为非常有价值。

古典艺术的祖宗可以认为是达·芬奇和拉斐尔,当代艺术的祖师爷是杜尚,他们本质不是一回事。当代艺术是拼想法的艺术,有一种独特的表达方式。

之前我们谈论过一幅绘画作品成为名画的诸多条件,比如,构图、题材、风格以及画家自身的名气,都对其笔下的画作能否成为名画有直接的影响,问题来了:就当下人们的艺术审美而言,油画若是不写实,就无法成为名画吗?你怎么看?

就当下人们的艺术审美而言,油画若是不写实,就无法成为名画

可以很肯定的说,每一个画者或画家都希望自己创作出来的作品能够赏心悦目,赢得大家的赞赏,即便人与人之间的品味存在差异,画家们依然希望得到别人对自己作品的尊重,这样才有源源不断的创作动力,一幅画作要成为名画,首先要能给人留下深刻的印象,

然而,在很大程度上,给人留下深刻印象的好的作品与平淡的作品之间的区别在于构图,尤其是写实油画更加注重构图,就当下人们的艺术审美而言,油画若是不写实,就无法成为名画,为什么这么说呢?其一:当下人们的审美依然是“形神兼备”意义上的审美,并非喜欢那种“奇形怪状”的抽象,

其二:给人留下深刻印象的作品首先在于构图,给人留下有印象,这是成为名画的基础,油画分“写实”与“抽象”两种,然而,抽象画是连素描基础都可以不要的,更不用说构图了,也就是说,抽象画没有构图,它只有被扭曲的线条,以及没有透色的色彩,

而写实油画是绝对需要构图的,才能区分主体和背景,体现出丰富的艺术效果;我们可以这样假设,如果那些奇形怪状的抽象画,没有经过商业资本的宣传炒作,连狗都不会正眼看它一眼,这是事实;被称为抽象画代名词的艺术大师毕加索,之所以能成名,笔下的画作堪称名画,这离不开他高情商、高智商的炒作,还有就是赶上了人们对油画的审美出现疲劳的“黄金时间”,综合这些条件,毕加索的抽象画才成为名画。就当下人们对油画艺术的审美,已经不再疲劳了,所以清醒的认为抽象画就是一种“艺术骗局”。我们也可以发现凡是当代画家的抽象画几乎都已经难成名画了。

写实油画,主要是画的非常的逼真,笔触刻画的特别的细腻,这种跟照片一样的写实油画,无论你懂不懂艺术,都能看明白画的是什么。因为写实油画不求意境,只追求技术与耐心。

一般画写实画的画家,基本都是美院科班出身,素描是美院学生的必修课,也是基础课。素描,可以让学生了解物体的结构与明暗关系。搞写实画,只要你有足够的耐心和时间,就慢慢的鼓捣着画。

写实油画是西方的绘画技法,而中国的绘画技法主要以“意境为美”。现在有好多国家的画家,都在研究写实油画,如何用笔才能让自己的作品更加的细腻、怎样让自己的作品以更快、更好的方法赢得市场、让更多的收藏家喜欢关注到。

不过,写实油画,画起来忒费时间和精力,所以价格必然要贵些,毕竟这是技术活吗!但这种跟照片似的作品,在大家眼里不过是画的真细、画的真像、跟照片一样、跟打印的似的,这几种评价罢了,而没有更多的艺术语言与艺术内涵。

写实油画,这种跟打印出来的效果太相似,看久了,仿佛就跟看照片一样,在视觉上会有一种审美疲劳之感。现在写实油画画的好的,价格上动辄几百万到上千万!能花此大价钱购买的人,无非是今天的收藏,为了明天的升值!但中国的当代艺术很难说!在价格上时常会有大起大落的时候,升值空间更难说!收藏家追捧热度也难说!

吴冠中:“画的像”不是艺术”这样的画是写真。

这个观念太保守了,现代的艺术种类百花齐花,各种各样的艺术风格,包括写实油画,抽象油画,每个人的审美观更是不一样。有喜欢超写实的油画,如当代的油画家冷军的油画,超级写实,细到发丝绒毛,他的作品,肖像、静物给人的感受是传统和审美的回归;有喜欢带有抽象风格的油画,如旅美画架赵无极的油画,接近西方的印象派,其色彩流畅,画面恣意的挥洒,充满着某种神秘气息。俗话说得好,萝卜白菜各有所爱,这就是一种仁者见仁智者见智的事情,没有那个比哪个更好。那种认为只有会写实油画的才能成为知名画家、知名画作的说法让人感觉有点荒唐。

这和我们的整体艺术教育有关,冷军超写实绘画就说明了这点,人们对逼真和现实的绘制手段的高超更感兴超,一些拍卖行也瞄准了这点,推波助澜,而一些更高明的更具艺术语言的油画作品大众看不懂,油画的欣赏和艺术语言又需要引导,互联网应该担起这份责任,让大众学会理性的欣赏,培植好的审美情趣。

你好亲,很开心回答你的问题

写实油画,个人拙见,是西方美术史上的学院派油画派别

学院派的画家,经过学院派美术学院正统,规矩的系统绘画训练,是一步一步从简单到复杂的绘画训练

学院派油画,个人斗胆一说,是相对大众的绘画艺术 学院派古典写实油画,更容易迎合大众的审美口味,欣赏水平

因为写实古典的传统学院派油画,不仅专业人士,欣赏它的构图,色调,写实造型手法,古典的韵味和格调

外行人,欣赏学院派写实油画的具象造型,名画背后的故事

对于名画而言,学院派写实油画,占据很大的比例

西方美术史上,画家创作的流芳百世的经典名画,大部分都是写实传统古典油画

西方传统写实油画,一直从14世纪文艺复兴时期,一直贯穿到19世纪新古典主义时期,浪漫主义时期,巡回画派时期,拉斐尔前派时期

虽然19世纪,诞生于法国的印象派绘画,已经充分说明,绘画的艺术风格,已经出现突破传统写实油画风格的雏形,但是直到20世纪现代艺术时期,西方油画才彻底突破写实具象的传统油画风格

所以,写实传统的学院派油画,在世界名画中,还是占据很大比例的

那么,油画风格不写实,或是抽象,或是表现手法,或是夸张变形的表达手法,或是综合材料油画,或是野兽派风格,是不是就无法成为世界名画?

个人拙见,不一定

你看西方美术史上,名画的艺术表现风格多种多样

写实学院派油画的魅力经久不衰,如达芬奇深邃神秘的写实油画风格,如安格尔高雅,庄重崇高的新古典主义画风,如德拉克洛瓦幻想的浪漫主义画风,如罗塞蒂充满诗意梦幻的写实油画,如柯罗唯美朦胧的写实风景油画,如库尔贝真实平凡的现实主义油画风格

但是,西方名画到了20世纪现代艺术时期,已经呈现多元化,创新化,个性化的艺术表现风貌

在西方美术史上,19世纪之前,古典写实学院派油画,一直遵循严格的法度,规矩,统一固定的古典美学模式

但是到了20世纪现代艺术时期,绘画艺术创作打破了统一固定的美学模式,呈现丰富多彩的艺术风格

如马蒂斯二度空间的野兽派平面装饰风格

克里姆特装饰的镶嵌画艺术风格

毕加索立体主义风格

达利的超现实主义的怪诞,离奇,荒诞的梦境油画

但是,这些名画突破了传统写实的油画风格,但是其创新之处,依然不妨碍成为世界名画

所以,油画突破了传统写实的表现风格,依然可以成为世界名画

但是,由于学院派写实油画风格,一直是西方主流的油画风格,所以相对写实学院派油画风格而言,非写实油画风格,如印象派,抽象画,表现主义油画,要成为名画,相对更困难一些

在西方美术史上,画家莫奈,梵高,毕加索,马蒂斯的非写实油画艺术,都遭到过许多争议和嘲讽

所以要在大众中传播非写实油画的魅力,非写实油画想要获得大众,或者美术评论家的认可,还需要很长一段时间

梵高就是一个典型的例子,在那个推崇写实油画风格的时代,梵高前卫的艺术表现手法得不到认可,当梵高的油画艺术获得认可,拍卖出高价时,梵高已经长眠在地下。

有时候,写实造型的油画,都会受到争议和嘲讽

因为写实油画,在西方美术史上一直推崇古典美的风格

如果偏离古典美的表现风格,都会遭到嘲讽非议

如米勒的油画艺术,尽管是写实风格,却被人嘲笑是粗俗,丑陋的艺术

库尔贝的现实主义写实油画风格,也被人说是亵渎古典高雅的绘画艺术

所以,就连写实油画,有时候都会遭到争议,更不用说抽象油画艺术了。

回答完毕

我是艺术狂人,从事少儿美术教育,如有美术,美术教育的疑问,欢迎私信

你好,很高兴对你的问题进行回复

对于这个问题我的理解是

对于当下来说,更倾向于写实,油画的创作有很多流派,这些就派在创立之初的目的就是针对其他流派这创造不同,打破传统,区别传统。打破传统有一定风险,因为不一定会被大众所认知!从大的宏观角度来讲,油画可以分为两大类别,即以客观的再现为主的创造性作品和以主观表现为主的创造性作品。

文艺复兴后出现的巴洛克、洛克克、古典主义、学院主义、浪漫主义、现实主义、写实主义、照像写实主义、印象主义等都是以再现自然为基础,表现画家不同的思想与目的。这些派别的作品都属于以客观的再现为主的创造性作品。

“巴洛克”一词原意有不整齐、扭动、怪诞的意思。推崇运动的扭曲、形体的丰腴与量感,其艺术语言强烈、夸张、动、浮华。

洛克克派——“洛克克”原意是指贝壳的形状,具有繁琐、精巧、纤细、甜腻的艺术风格。

古典主义与学院主义——古典主义是以尊重古希腊、罗马的审美原则,构图上讲究对称、均衡,气势上庄严、辉煌、崇高向上,技法精湛,刻画深入。

浪漫主义——浪漫主义起源于法国19世纪初期,籍里柯的《梅杜萨之筏》就是该派别的重要代表作之一,这个作品中的构图、光线、色彩、动态、表情都表现了艺术家丰富的想象力,它打破了古典主义的构图中的水平与垂直、光线的柔和与均匀,使画面产生了一种激情。

现实主义——现实主义绘画,注重以忠实于对象的手法去表现正常的视觉形象,反映现实生活的本质。

写实主义和照像写实主义——写实主义的创始人库尔贝在1885年曾说:“像我所见到的那样,如实地表现我这个时代的风俗、思想和它的面貌。一句话,创造艺术就是我的目的。

印象主义——19世纪,画家们开始走出自己的画室,去探索自然界中光与色的瞬间变化,并打破传统观念上固有色的概念,比如树是蓝绿色、阴影是黑色等,还把周围的环境色对固有色的影响进行了客观的绘制,这就是印象主义。

后印象主义——后印象主义画家强调表现自我感受,注重色彩的对比和事物的内在结构,画家凡·高、高更等就是后印象主义的典型代表。

野兽派——野兽派以夸张的造型、强烈的色彩、粗犷的线条表达内在激情。

立体主义——立体主义画派,画面的视点已不再是一个方位,而是对事物进行全方位的表现,使物体还原成几何形体。

抽象主义——抽象主义是依靠线条、块、面、色彩,进行无具象的抽象组合。

未来主义——未来主义画家以抽象的形式,运用色彩、线条表现运动速度、力量及其组合与分隔。

希望我的回复能帮助到你

 

 

 

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